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L’EXCEPTION ET LA RÈGLE – COMPAGNIE JOLIE MÔME

prochainement, se joue en Mai 2025, spectacle en cours

Épopée théâtrale autour d’un thème universel : la Justice.
Cette question est aujourd’hui cruciale pour des centaines de manifestants, de militants syndicaux, de demandeurs d’asile… de simples citoyens poursuivis pour leurs actes de résistance.
À travers le désert, un marchand mène une course poursuite contre les concurrents, en quête de gisements de pétrole. Sous ses ordres un guide, sous ses ordres un porteur. Le périple se terminera devant une cour de justice.

L’exception et la règle – Ne pas prendre des vessies pour des lanternes
On entend souvent : « Brecht c’est chiant, c’est compliqué, et puis épique, et didactique, comble de tout communiste !, et puis la distanciation… Pfou ! »
Faux, tout faux, ou presque… Je renifle un relent de bourrage de crâne anti-marxiste -pauvre Bertolt, [avec un T, parce qu’il est à « T » (athée), moyen mnémotechnique pour ne plus « dysorthographier » son prénom] même ad patres (dans l’autre monde) il subit l’ostracisme anti-communiste.
Bref, Brecht est didactique, oui, parce qu’il pense que le théâtre doit distraire mais surtout amener à la réflexion. Parce que réfléchir, apprendre, c’est rigolo ! Pourquoi essaie-t-on de nous faire croire le contraire ?
Donc, non Brecht n’est pas chiant, il est didactique (dont le but est d’instruire, d’informer) oui, on l’a vu.
Il est aussi épique (mémorable par son caractère extraordinaire), en quoi est-ce chiant ? Pourquoi quand Harry Potter ou Game of thrones ou Autant en emporte le vent sont épiques, c’est super et quand c’est un communiste, c’est chiant ?

Compliqué, c’est plus ou moins vrai selon les textes, mais à nous comédiens, scénographes et metteurs en scène de le rendre accessible à tous.
Et puis la fameuse distanciation… Souvent évoquée avec dédain, synonyme pour beaucoup d’ennui, de froideur, elle n’est en fait qu’un ensemble de codes qui rappellent au spectateur qu’il est au théâtre, qu’on lui raconte une histoire qui au fond n’est qu’une anecdote qui doit l’amener à réfléchir (encore !) de façon plus complète, plus objective, plus structurée, plus profonde. Les émotions ne doivent pas prendre le dessus. Ce qui n’empêche pas que l’on se passionne pour ce qui arrive aux personnages, que l’on rie. Mais sans jamais perdre de vue le sens des choses, des événements.
Brecht disait lui-même : « Un spectacle qui ne fait pas rire est un spectacle dont il faut rire ! »
Espérons que vous allez rire, passer un bon moment, ne pas vous ennuyer et réfléchir !!!

La compagnie Jolie Môme

Extraits de presse

En une heure quinze, un vrai précis de lutte des classes…
C’est vivant, pêchu, politique.
Jean-Luc Porquet – Le Canard Enchaîné

Outre la formidable performance, le dispositif complète le procédé de distanciation que Brecht appelait de ses vœux. Ce n’est pas tant l’individu – le personnage – qui parle, mais une voix qui le fait parler depuis sa position de classe. (…)
La compagnie Jolie Môme ressuscite l’œuvre de Brecht, fable intemporelle d’une insupportable actualité, à point nommé, en y mêlant chanson et nouveautés. Le voyage s’annonçait didactique et la promesse est tenue ! Une bouffée d’inspiration pour les luttes, à ne surtout pas manquer.
Révolution Permanente – Yano Lesage

Un vrai Brecht bien monté, personnel et intelligent.
Musicalement très efficace, la composition est très simple. Une guitare accompagne les pas et les émotions. Les cordes qui vibrent dans les yeux ou dans les chutes sont savoureuses. Exploitant au mieux l’instrument, tout semble pouvoir être joué en quelques notes.
Un spectacle que l’on suit avec envie, qui donne envie de se rencontrer après les applaudissements.
Cie-nos-reves.com

La mise en scène dans laquelle ils se sont lancés est inattendue et périlleuse. (…) La pantomime exige une parfaite coordination et relève de la prouesse pour les acteurs. Par ce dispositif, ils inventent une forme nouvelle de distanciation, qui ajoute du jeu, de l’intelligence et du plaisir à la représentation. (…) La belle équipe de Jolie Môme insuffle à la pièce de Brecht l’esprit de gaité, l’élan et la combativité qui les caractérisent.
La chronique de Francis Combes et Patricia Latour – Humanite.fr

Un travail qui surprend et force l’attention du spectateur. Est-on là dans un procédé de distanciation, concept cher à Bertolt Brecht ? « Je ne sais pas, répond franchement le directeur du théâtre, je n’agis pas de façon intellectuelle mais plutôt intuitive. »
Maxime Longuet, Journal de Saint-Denis, 29 mars-4 avril 2017

Dans l’enthousiasme que causait pour lui la découverte du marxisme, Brecht écrivit des pièces didactiques dont « l’exception et la règle ». La mise en scène de Michel Roger relève le défi. La dramaturgie adoptée illustre le côté parabolique de l’œuvre. Elle fait éprouver également la déshumanisation produite par les rapports capitalistes. Ceux-ci sont présentés nus. Ce théâtre évoque intentionnellement une dissection.
Initiative Communiste, mensuel du PRCF n° 179

Brecht envisageait ses pièces comme des« instruments d’instruction, au sens de la pratique sociale révolutionnaire », il en est de même pour la compagnie Jolie Môme puisque, l’épilogue tout juste récité : « Reconnaissez l’abus là où se trouve la règle », les comédiens encore sur scène lancent un appel au public à se retrouver dans la rue pour les manifestations à venir. Et ce sont des spectateurs conquis, concernés et convaincus qui sortent de la salle…
Encres vagabondes

L’interprétation, je ne vous en dit rien pour vous en laisser la surprise. Mais elle n’est pas habituelle du tout. Et c’est notamment pour ça que je crois qu’un type comme Brecht aurait aimé. Et qu’en tout cas moi j’aime. En fait si : sur la forme je vais quand même vous en dire un peu… Sur les deux perchés, d’abord. De la photo je veux dire, même s’ils le sont aussi assez (perchés) dans la vie. Pas un mot ; plutôt une onomatopée : Whaouuuuu ! Quelle performance ! Et sur les autres aussi : la même onomatopée (Whaouuuuu !) que vous comprendrez au moment du salut si vous n’avez pas pigé avant. De mon côté je finis par tous tellement les connaître que le whaouuuuu de la fin je l’ai eu rapidement. Alors je ne sais pas le temps qu’il vous faudra ?
Philippe Caro

La technique de mise en scène surprend le spectateur, l’oblige à la concentration, et rapidement la magie opère… Elle fait la part belle à la pantomime, au burlesque, une technique qui tranche avec les spectacles habituels de la Compagnie. C’est un réel plaisir pour le public qui ressort de là en ayant parcouru son propre chemin.
L’Anticapitaliste

ÊTRE VIVANT – Paroles des oiseaux de la terre

se joue en Juin 2025, spectacle en cours

Au lever du jour, une cabane nomade est arrivée sur le plateau du théâtre et semble s’animer toute seule. Des poules entrent en scène. La clowne Fourmi est juste là pour les accompagner. Elles ont quelque chose d’essentiel à partager avec le public. Fourmi ne sait pas comment cela va se manifester, ni à quel moment. Dans cette attente, Fourmi trouve des espaces de parole pour raconter son histoire et partager avec les poules de surprenants moments de vie et de jeux. Ouvrant un espace sonore drôle, et intriguant, elle dialogue avec elles pour questionner notre monde, tout en questionnant le leur et le regard que nous leur portons. Chaque instant devient précieux. Nous sommes suspendus à ces petits êtres à la présence étonnante sur scène, qui nous touchent, nous surprennent, nous questionnent. Et on ne sait jamais vraiment comment ça va se passer… Fourmi fait le lien entre le monde humain et le monde animal, entre le plateau et le public. Par sa sensibilité, elle témoigne d’un lien d’affection, de leurs chemins respectifs qui se croisent et font écho au monde actuel. Une façon de porter un regard d’égalité, loin des préjugés. Il ne s’agit pas de « dressage », mais de collaboration. Tout est basé sur le plaisir que les poules peuvent éprouver au travers de la relation avec l’humain, et parle jeu. Nous nous adaptons à leurs rythmes et à leurs envies, à leur personnalité. C’est par un lien de confiance mutuelle, et de respect profond tout en privilégiant leur bien-être que nous arrivons à œuvrer ensemble. A partir d’un texte de François Cervantès, et faisant suite à une fructueuse collaboration avec Catherine Germain et Emmanuel Dariès, cette création laisse le « vivant » s’épanouir sur le plateau, avec toutes ses maladresses, ses imperfections, et ses « coups de théâtre », qui convoquent le rire, et l’étonnement de l’enfance.

QUATRAINS DE LA ROSE

prochainement, se joue en Juin 2025, se joue en Mai 2025, spectacle en cours

Une méditation

Dans une ambiance tamisée, une douce pénombre favorisant un état méditatif, sur une musique originale de bols chantants, envolées cristallines, doux grondements et infinis reflets sonores du silence, apparaissent, l’une après l’autre, près de deux cent-cinquante fleurs. Montées sur vidéo, les fleurs photographiées semblent tour à tour éclore dans leur simple apparition.
Toutes très différentes, évoquant l’épanouissement ou le fané, le dessèchement ou l’humide, la féerie, la danse, l’étrange, le craquement et le flamboiement, la nostalgie, l’espièglerie et le jeu…, toutes les dix secondes environ, sur un mur lisse, un drap ou un écran, une fleur paraît ; elle, et peut-être son histoire, mais surtout, sa présence.

Un véritable Bain de Beauté
Dans cette atmosphère où l’esprit voyage et les sens se nourrissent des parfums musicaux de la beauté, une voix tantôt s’élève, une voix de femme, qui laisse entendre de très courts poèmes, extrêmement rythmés, des quatrains. La nature de ce rythme est si organique qu’elle passe quasi inaperçue tant elle rejoint le souffle et son harmonie primale.
Ce que cette femme dit est l’histoire, par simples bribes et résonances, du corps en sa blessure et d’une rencontre avec les fleurs, la Rose en particulier.
Tantôt vient s’y mêler la voix de l’homme, à laquelle elle s’unit le temps d’un chant.
C’est donc à un véritable bain de beauté, de perceptions et d’expressions mêlées, à un chant plus qu’à un dialogue, que le spectateur est convié.

COUPLES, ETC.

prochainement, se joue en Mai 2025, spectacle en cours

Dans un lieu qui pourrait un grand hôtel de villégiature, ou un immeuble labyrinthique, la nuit, une adolescente n’arrive pas à dormir. Les yeux grands ouverts dans le noir elle écoute. Des adultes font la fête, font l’amour, font la guerre… Elle se lève, sort de sa chambre, déambule, espionne. Elle surprend des bribes de conversations, des confessions, des étreintes, des fous rires, des larmes. L’intimité des adultes qui s’aiment, se séparent ou restent ensemble cent ans. Des couples de tout genre. L’adolescente assiste à une sorte d’ inventaire des relations amoureuses contemporaines et porte sur elles un regard curieux, amusé, parfois critique. Elle poursuit un parcours initiatique dans les sentiers de l’amour et ce faisant elle grandit, quitte l’adolescence, devient femme, part découvrir par elle-même le monde, l’amour, les mystères des passions humaines.

Susana Lastreto : biographie

LE PRINCE

se joue en Avril 2025, spectacle en cours
Spectacle en italien, surtitré en français.
IL PRINCIPE 
 
Librement inspiré au chef d’œuvre homonyme et à d’autres écrits de NICOLAS MACHIAVEL Au milieu de la scène vide se dresse un trône. Sur ce trône, on découvre un vieux roi… Mais attendez : ce n’est pas un roi, c’est son bouffon, qui, profitant de l’absence de son maître, a promptement pris sa place. Entre ses élucubrations sur un complot obscur reliant Périclès, le pape Alexandre VI et Donald Trump, et les leçons sur l’art de gouverner qu’il a apprises par cœur à force d’écouter son maître, le peuple entier s’interroge : saura-t-il régner ? Deviendra-t-il un prince éclairé ou un tyran despotique ?

Un voyage théâtral qui relie passé, présent et futur, Il Principe interprète la pensée de Machiavel pour la mettre au service du spectateur contemporain, inversant ainsi le rapport au pouvoir. Sur scène, histoire, philosophie et satire s’entrelacent dans une narration oscillant entre solennité, ironie et absurdité, explorant les principes politiques universels et les contradictions de l’actualité.

EMMA PICARD

se joue en Février 2025, se joue en Janvier 2025, spectacle en cours

Le roman
Un faux pas dans la vie d’Emma Picard est le troisième roman d’une tétralogie consacrée à l’histoire de familles françaises en Algérie (C’était notre terre, Les Vieux Fous, Un faux pas dans la vie d’Emma Picard, Attaquer la terre et le soleil — pour ce dernier roman, Mathieu Belezi a reçu le prix Le Monde 2022 et le prix du Livre Inter 2023).
Dans les années 1860, pour échapper à la misère en France, Emma Picard, paysanne, veuve et mère de quatre fils, accepte de partir en Algérie cultiver vingt hectares de terre que lui octroie le gouvernement français.
Après quatre années de labeur infructueux, de deuils et de catastrophes naturelles, elle s’assied près de Léon, le plus jeune de ses fils, blessé, et fait le récit — lyrique et poignant — de son combat permanent pour la survie.
Le récit qu’Emma fait de sa vie et de ses épreuves est parsemé de questions par lesquelles elle tente vainement d’impliquer Léon dans un impossible dialogue et qui nous ramènent constamment à la situation douloureuse d’une mère qui veille son enfant souffrant.
Dans ce monologue, livré d’un trait comme en un expir, Emma Picard se raconte et dresse le portrait d’une femme de condition modeste au XIXème siècle.

Qui es-tu Emma Picard ?
Colon par nécessité, Emma Picard est avant tout une paysanne. Son récit témoigne d’un rapport viscéral — sensible et poétique — à la nature, mais aussi au travail de la terre, qu’elle mène avec une détermination sans faille jusqu’à l’entêtement tragique.
Dès le début du récit, puis sous la forme d’un leitmotiv lancinant, Emma Picard se désole de sa propre naïveté, estimant s’être fait berner par les fonctionnaires du gouvernement français. Les phases d’espoir et de découragement successives au fil des épreuves endurées la laissent aussi peu à peu en proie au doute et à la colère face à la religion.

La tragédie universelle des sans-voix
Le texte de Mathieu Belezi s’inscrit dans la grande tradition d’une littérature qui donne une voix à celles et ceux dont on ne parle jamais et qui n’ont jamais la parole. En ce sens, il apporte un éclairage singulier sur l’histoire de la colonisation de l’Algérie. Femme, veuve, pauvre, à la merci des puissants, tentant désespérément de survivre dans des circonstances hostiles, Emma Picard est une héroïne tragique, emblématique de tous les laissés-pour-compte, qui nous interpelle par la dimension universelle d’une tragédie personnelle livrée dans l’intimité d’un soliloque bouleversant.
A son arrivée en Algérie, Emma Picard est conduite sur ses terres par Mékika, un algérien qui choisit de rester avec elle et ses fils pour travailler à la ferme. Loin d’occulter le drame de la colonisation qui est omniprésent dans le récit, la relation qui se tisse entre Emma, ses fils et Mékika nous parle de solidarité dans la lutte pour la survie et de la fraternité des travailleurs de la terre.

Du roman à la scène
Tout en préservant les propriétés stylistiques du long monologue d’Emma Picard — que Mathieu Belezi décrit comme un lamento — nous nous sommes efforcés d’en restituer la bouleversante humanité.
Du fait de la situation d’Emma lorsqu’elle entreprend son récit (anéantie, assise sur une chaise), la mise en espace est nécessairement sobre. C’est donc essentiellement par les nuances et les subtilités de l’interprétation que l’on pourra amener le spectateur au plus près des émotions du personnage et que l’on fera entendre la beauté du texte.

 

Extraits de presse

L’Humanité – Gérald Rossi
Marie Moriette est éblouissante dans ce seule en scène adapté du roman de Mathieu Belezi. Un beau et grand moment de théâtre. (lire la suite)

SNES-FSU – Frédérique Moujart
Dans un décor épuré, au bord de la folie, Emma, admirablement incarnée par l’éblouissante et bouleversante Marie Moriette, nous dit avec force et lyrisme cette tragédie. Il faut aller voir ce spectacle en tous points fascinant et d’une grande intensité émotionnelle.

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Froggy’s delight – Nicolas Arnstam
Marie Moriette, magistrale, tient le public en haleine dès les premières minutes, elle délivre magnifiquement le texte d’une grande force de Mathieu Belezi. Un formidable spectacle dont on sort sonné, porté par une prestation de comédienne impressionnante.

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Hotello – Louis Juzot
Marie Moriette s’appuie sur un jeu naturaliste mais qui reste sobre. Le dispositif est simple, lumière et musique sont distillées à bon escient. Le tableau est sensible et s’inscrit dans l’esthétique populaire et revendicatrice de la deuxième moitié du dix-neuvième siècle d’un Courbet ou d’un Zola.

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L’œil d’Olivier – Marie-Céline Nivière
La mise en scène d’Emmanuel Hérault, d’une belle sobriété, est centrée sur cette femme terrassée qui veille sur son petit. Marie Moriette fait résonner avec une intensité poignante la belle supplique de cette femme au cœur brisé, au corps usé par le travail, à l’espérance vaincue.

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ACHAC – Groupe de recherche sur l’histoire coloniale
La Compagnie Okeanos propose une adaptation poignante du roman de Mathieu Belezi. Au récit rare de cette ultime tentative pour échapper à la misère, s’entremêle celui de la colonisation française et de sa brutalité. Ce seul-en-scène bouleversant est à ne pas manquer.

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I/O LA GAZETTE DES FESTIVALS – Ysé Sorel
Porté par une interprétation intense de Marie Moriette, le spectacle, fait le choix judicieux de la sobriété. La langue, à la fois lyrique et profondément terrienne, vibre et prend toute la place pour donner à entendre le destin tragique de cette « vie minuscule » qui participe à la grande histoire.

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FILLE DE PANAME – Marina Glorian
Un récit poignant, porté avec force et subtilité par la magnifique comédienne Marie Moriette, intime, fébrile, lyrique, tragique… La très belle adaptation du roman pour la scène nous restitue la parole de cette paysanne qui a cru à une nouvelle vie. Ce spectacle résonne longtemps en nous.

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LICRA – Jean Louis Rossi
Jamais le sujet des petits colons partis pour exploiter une terre aride en Algérie n’avait été dévoilé de la sorte. La mise en scène minimaliste est servie par Marie Moriette, une comédienne qui nous amène au plus près de l’émotion de cette femme courageuse. Un spectacle d’une grande humanité.

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La Provence – Angèle Luccioni
Dans un clair-obscur de circonstance, la comédienne Marie Moriette livre un monologue d’une rare intensité dramatique. Cette création d’une vive sensibilité prolonge l’effort de Mathieu Belezi pour faire revivre au public une vérité historique tragique, trop longtemps ignorée ou déformée.

SONGE – mythe surgi du chaos

se joue en Avril 2025, spectacle en cours

La poésie du grand William, le rêve de Kurosawa, le vif des quartiers, l’étincelle des mômes et la flamme de la jeunesse, la célébration du Krump, l’émotion archaïque.
Tout ça, rien de grave.

Ce nouveau spectacle de la compagnie Tamèrantong! rassemble 33 comédien·nes, danseur·ses, musicien·nes : 22 enfants et jeunes des quartiers de La Plaine St-Denis et de Paris/ Belleville et 11 interprètes professionnels.

Songe est une adaptation très libre du Songe d’une Nuit d’Été de William Shakespeare.

Il est l’aboutissement de trois années de travail artistique exigeant, un sémillant parcours qui tisse (tout en restant fidèle au souffle de Shakespeare), une création inédite pour nous emmener loin et pour « étonner la catastrophe » (Victor Hugo) : Quatre amoureux désespérés fuient dans la forêt tandis qu’une troupe improbable de théâtre s’en va allègrement y répéter. La forêt va les entraîner dans un monde qui vient d’hier et qui va vers demain.

Le Songe d’une Nuit d’Été, conte de 430 ans, a été décortiqué et désorienté pour le faire nôtre. À la belle langue de l’auteur se greffent nos paroles, jargon et poésie propres.
Le cadre et les personnages sont actualisés, les enjeux et liens amoureux rafraîchis et le happy-end décoiffé. Nous avons déplacé l’humour mais gardé la dérision de Shakespeare : on se moque et on rit de tout, du pouvoir, des puristes, des cloisonnements et bien sûr de nous-mêmes, notamment avec cette troupe de théâtre issue des quartiers (qui remplace la troupe originale des artisans), notre caricature et qui se débat entre pressions, mépris culturel et social, préjugés, solidarité, fêlures, emballements…
On pousse plus loin la mise en abîme de Shakespeare (la pièce dans la pièce) avec celle de nos jeunes acteurs y jouant malicieusement leur propre rôle. Et on s’amuse de même du miroir, lors du speech d’accueil au public avant la représentation de Songe, avec l’intervention du maire, Thésée, et de son staff qui vient s’arroger la parole de Tamèrantong!.
Songe est un conte anti-dystopique, un front de liberté et de vie où nos différences ont toutes leur place.

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Presse

« Depuis trente ans, cette compagnie particulière parle de tolérance, de diversité, d’exclusion avec les enfants des quartiers populaires. Elle parle aussi d’exigence artistique et de travail.
Un discours qui, sur scène, se transforme en une incroyable énergie. » Libération

« Un résultat aussi impressionnant artistiquement que socialement et politiquement. » Revue Silence

« Épaté par tant de travail et de talent : cette France-là existe. » Nouvelles répliques

 

Avec la troupe des enfants et des jeunes de La Plaine Saint-Denis et Paris-Belleville :
Adham, Alpha, Anaïs, Assia, Cellou, Cherryn, Dania, Donia, Frida, Haby, Ilef, Kyara, Mariam, Marceau, Mehdi, Nabiha, Nahian, Nova, Rachid, Rosa, Tiguida, Valentine

L’EXCEPTION ET LA RÈGLE – COMPAGNIE BERNARD SOBEL

se joue en Février 2025, se joue en Mars 2025, spectacle en cours

Le Théâtre de l’Épée de Bois est heureux d’accueillir la prochaine création de Bernard Sobel sur l’œuvre de Bertolt Brecht : L’exception et la règle.

Diptyque L’exception et la règle et La mort d’Empédocle.
Tarif spécial  32€ tarif plein / 27€ tarif réduit
Réservation

Brecht, en 1930, après l’écrasement de la révolution spartakiste, écrit avec L’Exception et la règle une épure qui permet encore aujourd’hui de comprendre au moins une partie des violences qui, à tous les niveaux, détruisent les personnes et les peuples.

 

LE NEVEU DE RAMEAU

se joue en Février 2025, se joue en Janvier 2025, spectacle en cours

La caractéristique de mon Neveu de Rameau est l’incarnation. La priorité est la chair, l’expression des acteurs qui donnent vie aux idées. Une des phrases de l’œuvre, prononcée par le Philosophe, a été mon fil d’Ariane pour ce travail : « Mes pensées ce sont mes catins. » Les pensées vues comme des prostituées ! Le culot de Diderot ! Les idées, faites de chair, dont on se sert pour fréquenter, selon son humeur, des sentiments sublimes ou des lieux infâmes. Jouir intellectuellement, sans barrière, en toute liberté, assouvir les fantasmes de l’esprit, voilà ce qui a guidé cette mise en scène dont la volonté est d’habiller les idées abstraites d’un corps de sueur, d’énergie débridée et de mouvements. Les acteurs, Nicolas Vaude et Gabriel le Doze, ainsi que le claveciniste Olivier Baumont, ont adhéré sans réserve à ce point de vue, et ont insufflé à leurs personnages une vitalité, une jeunesse et une modernité à la mesure de ce texte unique, génial.

Jean-Pierre Rumeau

 

LA VENGEANCE D’UNE FEMME

actuellement, se joue en Avril 2025, spectacle en cours

La vengeance d’une femme, d’après la nouvelle de Jules Barbey d’Aurevilly tirée du recueil Les diaboliques (1874), est une confession sans absolution, ni de la part du client qui recueille les confidences de cette aristocrate devenue prostituée, ni de la part du public, invité à une cérémonie au parfum de décadentisme. Le péché de la chair n’est pas l’objet de cette pièce, mais l’acte d’amour dans lequel il y a, selon Charles Baudelaire, « une grande ressemblance avec la torture ». En faisant le trottoir, l’héroïne travaille à faire perdre l’honneur à son ancien mari (un aristocrate espagnol). Quelles raisons l’obligent à cet épouvantable jeu ? Sanzia-Florinda-Concepcion étale aux yeux des spectateurs effarés son « ciel en creux ». Le mot « diabolique » est-il employable pour cette fille des rues dont les turpitudes prouvent la nécessité d’une justice divine ? C’est toute la question de La vengeance d’une femme.
En prologue, Le sermon de la courtisane, tiré de La religion du Capital de Paul Lafargue, nous fait entrer dans le monde des courtisanes : vues par l’auteur (critiquant cette logique consistant à nous transformer en « machines à produire et à consommer »), elles sont, selon lui, le modèle du Dieu-Capital.