Résistance(s) conte l’histoire de deux jeunes filles – une allemande et une française – confrontées à la dictature nazie. Sophie Scholl milite secrètement à Munich au sein du mouvement «La Rose Blanche» fondé par son frère et un de ses amis étudiants. En Picardie, la jeune Française, fille de cheminot qui participe aux sabotages organisés contre l’occupant, cache une amie juive. Nous sommes en 1943. Sophie s’apprête à prendre un train pour aller distribuer ses tracts politiques à Stuttgart. Très loin de chez elle, à l’Est, l’autre jeune fille sort d’un train. Elle a désormais un numéro sur le bras.

Un mot les réunit : résistance.

Nous avons eu envie de faire redécouvrir une œuvre du patrimoine français ignorée depuis quatre siècles, en l’adaptant pour contourner les écueils qui ont mené à l’enterrer si longtemps. Pour cela, nous avons réuni une distribution d’actrices et d’acteurs passionnés : elle couvre trois générations d’acteurs et de musiciens, de 16 à 80 ans. Aussi le texte a-t-il été légèrement allégé, près de 600 vers ont été retranchés pour ne conserver que l’aspect relationnel entre les personnages, débarrassé des références politiques obsolètes qui prétendaient inscrire cette pièce au registre du théâtre héroïque d’un Corneille.
Dom Garcie de Navarre est donc bien une comédie, et pleinement moliéresque.

Les flûtiste et luthiste, instrumentistes de premier ordre, spécialisés dans le répertoire baroque, exhument eux aussi des œuvres injustement oubliées : Hotteterre, Gaspar Sanz, Pancrace Royer …
Mais nous entendons jouer d’abord un spectacle drôle et populaire, musical, un vaudeville de haute tenue littéraire, une haute-comédie vibrante en alexandrins !

Antonio Diaz-Florian, le théâtre de l’Epée de Bois nous en a donné l’occasion, nous l’en remercions et la saisissons.

La farce
Cette farce andalouse est devenue, depuis sa création en 1934 par Federico Garcia Lorca, un classique de la littérature dramatique pour marionnettes.
Comme pour « los titeres de cachiporra », soeur jumelle de « Retablillo de don Cristobal », F. G. Lorca s’est inspiré de la tradition populaire de marionnettes.
Lorca rassemble dans son canevas toutes les intrigues d’une bonne Comédia dell’arte : le pouvoir ou l’autorité, le désir amoureux et l’argent.
Don Cristobal, le vieux riche, se prétend médecin. Il soigne le malade à sa manière à coups de gourdin, et ramasse assez d’argent pour se marier avec Rosita. Mais Cristobal est un ivrogne. Insatisfaite, Rosita retrouvera son amant. Au cours de la pièce, le poète dialogue avec ses personnages et parfois même interpelle le public.
La farce unit ici la langue rugueuse et truculente de la marionnette et le lyrisme poétique. Le théâtre de Federico Garcia Lorca est le prolongement de sa poésie ; elle y prend forme humaine.

Le poète chef d’orchestre
L’adaptation et la mise en scène ont donné un sens particulier au personnage nommé dans la pièce « le poète ».
Il est le chef d’orchestre de tout ce petit monde. Son rôle est tenu par le comédien qui est, de fait, le manipulateur des cinq personnages de la farce.
Les marionnettes évoluent « à vue » (sans castelet) sur scène et forment des tableaux. Le comédien manipulateur se confond avec sa marionnette, comme pourrait le faire le masque avec l’acteur. Il dialogue avec elles et avec le public.

Son Théâtre
Au-delà de sa vitalité et de sa joie de vivre, Federico Garcia Lorca est un homme complexe aussi est-il sensible au monde et à ses injustices. Il sera toujours du côté de ceux qui souffrent. Son théâtre est combatif. En écrivant pour le théâtre de marionnettes, il a su colorer son théâtre d’une poésie à la fois rugueuse et profondément humaine. Surprenante dramaturgie que son théâtre de marionnettes, construit à partir de ces personnages profondément humains. “Le théâtre est une tribune libre où les hommes, par des exemples vivants, peuvent mettre en évidence les normes éternelles du cœur et du sentiment humain.” Federico Garcia Lorca

Le thème de la solitude amoureuse
L’homme est seul avec son amour. C’est avec constance qu’il développera ce thème dans son théâtre peuplé souvent de paysans aux sentiments simples et intenses. Retablillo de don cristobal est une pièce qui rassemble tous les thèmes majeurs de l’œuvre de Federico Garcia Lorca : l’amour, la mort, la révolte. “Au-delà de la solitude amoureuse, la vie est un désir à satisfaire. Un désir qui échappe à l’homme, immanquablement, au moment même où il semble le saisir.” Federico Garcia Lorca.

Un théâtre combatif et vital
En écrivant pour le théâtre de marionnettes, Lorca a su colorer son théâtre d’une poésie à la fois rugueuse et profondément humaine, dans une surprenante dramaturgie. L’AMOUR, LA MORT ET LA RÉVOLTE C’est avec constance qu’il développera ces thèmes dans son théâtre peuplé souvent de paysans aux sentiments simples et intenses. Retablillo de don Cristobal,  Le jeu de don Cristobal en français, est une pièce qui rassemble tous les thèmes majeurs son œuvre : l’amour, la mort, la révolte.
“Le théâtre est une tribune libre où les hommes, par des exemples vivants, peuvent mettre en évidence les normes éternelles du cœur et du sentiment humain.” Federico Garcia Lorca.

« EL DUENDE est fait de sang, de culture ancestrale et de création en acte. Ce pouvoir mystérieux, que nous ressentons tous un jour et que nul philosophe ne peut expliquer. Il est l’esprit même de la terre. » Federico Garcia Lorca.

J’aime la vie est un texte adapté de Refus d’obéissance de Jean GIONO. Paru en 1937, il rassemble deux textes distincts. Le premier est un manifeste pour la paix dans lequel Giono évoque l’atrocité de ce qu’il a vécu dans les tranchées, durant la Première guerre mondiale qui ne cesse de le hanter et son refus d’obéir à un ordre de mobilisation. Vingt années se sont écoulées et Jean Giono apparaît sous les traits d’un soldat blessé : Joseph.
Notre marionnette, le poilu conférencier décrit l’horreur des combats et sa passion pour la vie. Ecrit entre les deux guerres, ce texte est un formidable plaidoyer pour la paix en dénonçant l’absurdité de la guerre. « Ce qui me dégoûte dans la guerre, c’est son imbécilité ! J’aime la vie ! je n’aime même que la vie … c’est beaucoup ! »

Thème
Délivrer les vocations et avoir confiance sont les grands thèmes que nous voulons aborder avec « PILOTE« .

Se sentir lié au monde n’est pas une question de compétence mais de confiance. *  » Il n’y a pas de fatalité extérieure, mais il y a une fatalité intérieure : vient une où l’on se découvre vulnérable ; alors les fautes nous attirent comme un vertige ».
L’homme est sauvé à partir du moment où il a la vocation. L’Œuvre de Saint Exupéry est celle d’un homme qui a décidé de vivre en accord avec la nature profonde de sa personnalité où l’on retrouve fréquemment les mots vérité, vocation, terrain favorable … terrain qui fertilise les vocations ou pas : *« …Les vocations sans doute jouent un rôle. Les uns s’enferment dans leurs boutiques. D’autres font leur chemin, impérieusement, dans une direction nécessaire : nous retrouvons en germe dans l’histoire de leur enfance les élans qui expliqueront leur destinée. » Se sentir responsable, là réside le courage.

Le courage est un des grands thèmes de l’œuvre d’Antoine de Saint Exupéry. Il en a fait un axe majeur de son existence. « …/…se délivrer du monde des villes et de leurs comptables… de ces dimanches absurdes…de la machine à emboutir…lancer des passerelles. » Comme pour cet enfant, le petit prince, méconnu des grandes personnes qui crie son droit « d’être lui-même « .

Synopsis
Un PILOTE entreprend de faire une course reliant l’Europe à l’Asie en avion. D’abord la course puis la panne, l’accident, la chute. L’accident met à nu. Le dépassement de soi se fait dans l’épreuve du vide. Certaines nuits, l’enfant est là, il lui raconte son voyage … astéroïdes peuplés de grandes personnes. Ainsi durant 4 jours il marche en quête, jusqu’à sa délivrance, jusqu’à sa rencontre avec un homme, un touareg, qui le sauve à l’aube du 5e jours en lui donnant de l’eau.
Il s’oriente : Est/Sud/Est Nous sommes à une époque ou pour se diriger le pilote se repère au soleil et quand il se couche, aux étoiles et à la lune, seul, sans radio, il vole en évitant, s’il le peut ! les brumes et nuages. Il vole, traverse la méditerranée puis longe les côtes du nord de l’Afrique pour arriver aux abords du désert, royaume des sables, des vents et des Touaregs. D’abord la course puis la panne, l’accident, la chute. L’accident met à nu. Le dépassement de soi se fait dans l’épreuve du vide. Le mouvement agit comme essence du lien vital, celui qui nous rend en vie. L’obstacle devient alors découverte de soi. «L’accident comme souci de soi ou la rencontre mise en scène, de la fatalité, de la mascarade et de la grâce » (Cynthia Fleury -Pretium doloris) Il marche des heures durant malgré la soif, dès le lever du soleil. Est /Sud -EST : orienté. De mirage en mirage, en quête, il expérimente l’essentiel … l’eau. Enfance. Ses nuits sont peuplées de souvenirs.
Certaines nuits, l’enfant est là, il lui raconte son voyage … astéroïdes peuplés de grandes personnes : un roi, un businessman, un vaniteux … mais aussi un renard.

Solitude
Il se rend compte aussi qu’il n’est pas si seul finalement, des traces sur le sable lui rappellent que la vie s’installe partout, même dans le désert. Des traces : un renard, un serpent et son regard sur le monde. Ce monde, celui des grandes personnes perchées sur leur astéroïdes : *« ce monde… ses machines à emboutir… avec ces absurdes dimanches ». * « Ce qui embellit le désert, c’est qu’il cache un puits quelque part. « Ainsi durant 4 jours il marche en quête, jusqu’à sa délivrance, jusqu’à sa rencontre avec un homme, un touareg, qui le sauve à l’aube du 5 e jours en lui donnant de l’eau. Ce qui sauve. Il survivra grâce à une orange et une gourde d’eau retrouvées dans la carcasse de l’avion. Mais surtout grâce à sa formidable envie de vivre et son courage. Au regard qu’il porte sur le Monde, au regard qu’il porte sur lui-même.

 Il sait que *« ce qui sauve, c’est de faire le premier pas. Encore un pas. C’est toujours le même pas que l’on recommence… »

*Terre des Hommes de Antoine Saint Exupéry

Note d’intention
A la vue d’une peinture de Jean Pierre Schneider dont la figure est une jarre, suggestion du vide ou appel de la plénitude. Blandine Jeannest se remémore le vers de Yannis Ritsos « comme s’il ne manquait rien alors que tout manquait » extrait de « Les vieilles femmes et la mer ».
C’est à travers les voix de femmes grecques contemplant leur vie et la mer « sur le chemin d’en haut où commencent les vignes » que Yannis Ritsos aborde les grands thèmes de son œuvre poétique, sensuelle, intense et parfois désespérée : le temps, la mémoire, la mort, l’absence, la présence des objets du quotidien, la filiation. Ritsos est hanté par « son rocher» natal lourd de souvenirs historiques et de la mémoire d’une famille tôt détruite. Est évoquée la condition des femmes grecques en attente des hommes absents, partis en mer ou happés par l’histoire. Pour Yannis Ritsos l’engagement en littérature et en poésie va de pair avec l’engagement politique dans un 20e siècle grec ponctué par la seconde guerre mondiale et les dictatures.

Les musiques :
En écho à la parole de ces femmes, trois musiciennes  au chant, violoncelle, piano interprètent une musique méditerranéenne qui est à la fois la résonance, prolongement et silence du texte : le lamento d’Ariane de Monteverdi et les plaintes de Caccini, les chants populaires grecs de Ravel, les accents de Granados et Falla ainsi que les harmonies intemporelles d’Arvo Pärt répondent par leur intensité poignante au verbe du poète engagé dans l’histoire mais aussi dans une quête existentielle universelle.
La mise en scène de Jean Pierre Schneider divise le plateau en espace maritime et terrestre, les blocs d’une digue étayant la mémoire vacillante des femmes. Les matières de la peinture de Jean Pierre Schneider, leur matité disent un réel dont la parole poétique de Ritsos ne s’affranchit pas mais qu’il dépasse dans la lumière des horizons maritimes d’une Grèce éternelle. 

Espagne 1936/1939: c’est la guerre, le combat, l’exil, les camps de réfugié-e-s en France, l’engagement dans la résistance en 1940. Récit, poésie, danse, musique, chant, images projetées sont au rendez-vous dans la « Baraque de la culture », lieu intemporel, improvisé à l’intérieur du camp. Un spectacle pour le public incluant celui des collèges et lycées.

LA PRESSE EN PARLE

« Un cri qui appelle la mémoire de l’homme (…) Odile Michel, s’appuyant souvent sur des textes inspirés de périodes troublantes de l’histoire, nous convie, cette fois en Espagne, pendant la guerre. Ce spectacle a réuni des artistes de grand talent et suscité une grande émotion (…). »
Michel Grisey, Le Midi Libre

« (…) Un subtil assemblage de poèmes, de témoignages, d’images, de musiques et de chants. Un spectacle tout en noir et blanc, mis en scène par Odile Michel. Une présentation poignante. Le tout ponctué par des lettres qui une fois lues tombent des mains des comédiens comme des feuilles mortes. ”No Pasaran” est devenu le cri de tous les antifascistes du monde, “Pour ne pas oublier ”, raconter cette période sombre de l’histoire d’Espagne qui, à nos portes, trouve aujourd’hui encore bien des échos. Ce spectacle est le fruit de recherches approfondies et de réflexions (…). »
Marcelle Dissac, Dauphiné/Vaucluse

« (…) c’est avec la poésie de combat, les témoignages, les documents projetées sur écran, des musiques et des chants, qu’Odile Michel a fait partager avec sensibilité et sans misérabilisme, les fragments de cette vie d’exode et d’enfermement: L’histoire d’une guerre qui résonne encore aujourd’hui avec tellement d’actualité. »
Jacqueline Armand, La Provence

« Quand la poésie réveille les souffrances endormies de tous les déracinés de la terre. Avec “Paroles d’Exil” (…) entrecoupé d’images d’archives sur la fuite du peuple espagnol hors d’ un pays en proie à la folie fasciste, Odile Michel transporte le spectateur dans cet épisode tragique de l’histoire. Les déclamations sobres et profondes des poésies dépassent la contingence des lieux où ils ont pris naissance. Ce spectacle met en scène avec beaucoup de chaleur la portée universelle de la souffrance de tout un peuple. Comme des appels venus de loin, les sentiments exprimés ressemblent à nos peurs nomades endormies avec lesquelles, il y a longtemps, il nous a bien fallu survivre avec dignité. La poésie évoque la force suscitée par ces retrouvailles archaïques gravées au plus profond du désespoir entre “Les larmes et le Salut ». Un entre deux par lequel ” face à la mer des vents, pour être vivants à jamais, soyons d’éternels mourants”… »
Michel Ban, La Marseillaise

« (…) particulièrement émouvant et fort. On est plongé dans la lutte contre le fascisme où brillait l’espoir ”No Pasaran”, “La cause de toute humanité éprise de progrès ».(…)  »
M.H Loubatie, Grand Avignon

Silvia craint d’épouser sans le connaître Dorante, le jeune homme que son père, Monsieur Orgon, lui destine. Elle décide alors d’échanger les rôles avec sa femme de chambre, Lisette, en espérant ainsi mieux observer son prétendant. Mais Dorante a eu la même idée : il se présente chez Monsieur Orgon déguisé en serviteur, nommé Bourguignon, tandis que son valet, Arlequin, se fait passer pour lui. Seuls Monsieur Orgon et son fils, Mario, sont informés du travestissement des jeunes gens. Ils choisissent de laisser libre cours au « jeu de l’amour et du hasard » et d’en savourer le spectacle… tout comme nous. Une pure comédie !

Marivaux bouscule l’ordre établi et trouble les préjugés, en inversant les rapports maîtres/valets. Bien sûr, cela donne lieu à des situations délicieusement décalées, à des complications et quiproquos, à des dialogues étincelants. Ce sont les femmes, avec les serviteurs, qui tirent le mieux leur épingle du jeu… de l’amour et du hasard.
Marivaux est féministe avant l’heure et souhaite voir les femmes s’émanciper de la tutelle masculine, père, frère et mari. Le propos n’est pas si éloigné de notre époque, car faire exister son désir, pouvoir tout détruire pour lui, reste un combat éternel.

Pour le metteur en scène, le jeu de rôle tourne au jeu de massacre amoureux, chacun se trouvant en face de sa chacune sans le savoir : « Si cette pièce nous joue la comédie, c’est toujours au prix de la souffrance des quatre personnages principaux. Ils se débattent dans un monde où leurs propres sentiments leur échappent peu à peu. » Philippe Calvario signe une mise en scène furieusement décalée, joue avec les époques, instille les airs les plus torrides de Gainsbourg et des chorégraphies entre les actes, il casse les codes et ajoute de l’audace à un propos qui n’en manque déjà pas !

LA PRESSE EN PARLE

TT  – ON AIME BEAUCOUP
« Une réussite due aussi à Philippe Calvario, dont la mise en scène pleine de fantaisie donne un réel coup de jeune au texte de Marivaux. Sans le dénaturer. Sans le trahir. »
Michèle Bourcet – Télérama

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UNE LANGUE ÉTINCELANTE
« Un bonheur de langue étincelante, de faux semblants, de situations qui se moirent de mille et une nuances et une jolie troupe pour la jouer sous la très grande direction de Philippe Calvario. »
Armelle Helliot – Figaroscope

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MARIVAUX DANS SA VÉRITÉ
« L’intelligence faite théâtre. C’est cela qu’on a aimé dans la mis en scène de Philippe Calvario. Il casse les codes, il libère Marivaux des corsets dans lesquels on l’enserre trop volontiers, il le restitue dans sa vérité (…) la sincérité est là. La pièce dans ce qu’elle a de grave résiste, notamment grâce à une interprétation de qualité (une très sensible Marie Pierre Nouveau). C’est un spectacle très rafraîchissant, spirituel et vivant. »
Philippe Tesson, Le Figaro

Un orgue Farfisa, un piano Rhodes, un acteur, une cabane, des joncs, une chaise, la lune, des bouts de film, les mots d’un poète.
Chaque spectacle est un pari !
Celui que sur scène quelque chose va venir, quelque chose va s’adresser à nous et en nous à ce que nous avons de plus précieux.
Ici, ce quelque chose, ce seront les mots de John Keats.
John Keats – fils du propriétaire d’une écurie de louage, convaincu que l’humanité plutôt qu’une « lande rase » pouvait devenir « une splendide démocratie d’arbres forestiers », mort à 26 ans, devenu en moins de cinq ans un des plus grands poètes romantiques.
Durant 1h20, nous allons devenir les destinataires de ses lettres et de ses poèmes, destinataires de sa fougue, de sa jeunesse, de sa droiture, de sa profondeur, de sa fantaisie.